La respuesta a la IA en la música no es la supresión; es el uso de datos

Cuando la NFL y Apple Music anunciaron a Bad Bunny como el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 2026, la elección sorprendió a algunos. Pero para cualquiera que haya seguido los datos de los últimos años, era inevitable. En 2022, Un Verano Sin Ti de Bad Bunny redefinió el mercado, impulsando el crecimiento del streaming de la música latina a nuevas alturas. Posteriormente, se convirtió en el primer álbum en español nominado al Grammy al Álbum del Año.

La conclusión es simple: cuando se tienen datos precisos y en tiempo real, no adivinas hacia dónde se dirige la cultura; lo sabes. Ese tipo de previsión es justo lo que las industrias necesitan ahora, especialmente a medida que la IA acelera el cambio a un ritmo que exige evidencia, no instinto.

En tiempo real, estamos viendo cómo la IA transforma fundamentalmente la economía de la música, y gran parte de la industria sigue argumentando que tal vez no debería existir. El discurso en torno a la IA y la música está lleno de debates necesarios, desde la infracción de derechos de autor y la compensación a los artistas hasta la clonación vocal y la autenticidad.

Estas preocupaciones son válidas y deben abordarse. Pero mientras la industria debate si la IA debería transformar la música, nuestros datos demuestran que ya lo está haciendo. Parte de la evolución resultante cuenta con precedentes relevantes. Otra parte requiere acciones urgentes. Se requiere información, detección y medición fiables para comprenderlo todo.

Aquí para quedarse

Nos guste o no, la música con IA llegó para quedarse, y en lugar de combatirla, deberíamos comprender sus beneficios como herramienta para los artistas, ya sea para ampliar los procesos de producción existentes o para introducir nuevas formas de diseñar música. Datos recientes de la investigación de consumidores de Luminate muestran que 44% de los oyentes de música estadounidenses afirman sentirse incómodos con las canciones creadas con IA. Pero la incomodidad no predice el comportamiento.

La artista con IA Xania Monet (creada por la diseñadora musical Telisha Jones) promedió 8 millones de reproducciones semanales de audio a la carta a nivel mundial en octubre, tras su debut en varias listas de Billboard, incluyendo Hot Gospel Songs con Let Go, Let Go y Hot R&B Songs con How Was I Supposed to Know?. Las canciones de Monet abordan temas de sanación emocional, lecciones de vida y desamor, lo que refuerza el argumento de que la música, en esencia, se trata de cómo te hace sentir y no de cómo se crea. Esta tensión conflictiva entre las actitudes iniciales del consumidor y los hábitos reales de escucha no es nueva.

Piensen en lo que sucedió con el autotune. En 2009, Jay-Z lanzó D.O.A (Death of Auto-Tune), declarando la guerra a la tecnología. Ese mismo año, The Black Eyed Peas lanzaron Boom Boom Pow y I Gotta Feeling, ambas basadas en la producción de autotune. Hoy, cada una de esas canciones de Black Eyed Peas tiene cientos de millones de reproducciones en Estados Unidos. ¿El himno de protesta de Jay-Z? Menos de 40 millones. El mercado habló. La evolución tecnológica ganó.

La infraestructura evoluciona

Si la IA continúa ganándose su lugar en la producción musical —y todo apunta a esa inevitable realidad—, no significa que los artistas o los titulares de derechos tengan que perder. Aquí es donde la previsión se vuelve esencial. La guerra de samplers de finales de los 80 ofrece un paralelo ilustrativo. Cuando Biz Markie fue demandada en 1991 por samplear a Gilbert O’Sullivan, la industria enfrentó una crisis existencial. El resultado no fue la supresión de la tecnología, sino la creación de toda una infraestructura de licencias y autorizaciones. La detección y la atribución se convirtieron en la base de un mercado funcional.

Esta infraestructura ha seguido evolucionando en la era del streaming y el descubrimiento transmedia. Se están invirtiendo millones en catálogos musicales tradicionales, y esas altas valoraciones están demostrando ser válidas. A mediados de este año, Becoming Led Zeppelin fue el documental musical nuevo más visto en Estados Unidos, y su alta audiencia impulsó un aumento sostenido del 23% en las reproducciones del catálogo de la banda.

Cabe destacar que el estreno del documental impulsó a Led Zeppelin a alcanzar su mayor total semanal de reproducciones de audio a la carta a nivel mundial: 40.4 millones a finales de febrero. Pero ¿qué ocurre si la música generada por IA infringe los derechos de autor de Led Zeppelin durante el proceso de creación? Creo que todos coincidimos en que nadie debería salirse con la suya robando la propiedad intelectual creativa de otros para obtener beneficios económicos. La industria debe actuar con rapidez y es necesario implementar políticas para que los artistas y titulares de derechos sigan recibiendo una remuneración justa y legítima a medida que se expande la presencia de la IA en la música.

En Luminate, nuestra misión es proporcionar a la industria del entretenimiento datos esenciales, objetivos y fiables. En lo que respecta a la IA, esta misión se ha vuelto aún más crucial. Nuestros datos muestran no solo lo sucedido, sino también lo que está sucediendo ahora y, cada vez más, lo que está por suceder. Esa visibilidad es lo que permite a las partes interesadas de la industria, desde sellos y editoriales hasta plataformas y legisladores, tomar decisiones informadas en lugar de reactivas.

Los artistas generados por IA, diseñados para una distribución a gran escala y a bajo coste, proliferarán. Los entornos de presentaciones en línea y en vivo estarán repletos de contenido optimizado algorítmicamente. La tecnología se volverá más sofisticada, más accesible y más difícil de detectar sin la infraestructura adecuada.

Todos necesitamos trabajar con la misma información objetiva para navegar por estos avances.