Cómo Chip Kidd transformó su pasión en una carrera icónica en diseño

Durante su infancia y adolescencia en Reading, Pensilvania, un suburbio de los años 70, Chip Kidd, diseñador gráfico, editor y autor, era tan artístico como se podía ser. “Me aficioné a los cómics desde muy pequeño”, dice. “Me encantaba dibujar y escribir. Empecé a tocar la batería y me uní a una banda de música; lo típico de un chico gay con inclinaciones artísticas que no se atreve a salir del armario”. Así fue como inició su camino en el diseño, sin que aún supiera de qué se trataba.

Aun así, reconoce que sabía que no era el más talentoso para dibujar. “Siempre hay otro joven que dibuja mejor que tú y al que le toca dibujar para el anuario; no es nada del otro mundo”.

Esa otra cosa, por casualidad, resultó bastante bien. Hoy, Kidd se acerca a los 40 años como director artístico asociado en Alfred A. Knopf (quizás sea más conocido por diseñar la portada del libro Parque Jurásico de Michael Crichton ). Ha escrito dos novelas, varios libros de no ficción sobre diseño gráfico y, en 2025, publicó su primera novela gráfica de Marvel, ¡Los Vengadores en la trampa de la veracidad! 

Aquí, habla sobre el destino que marcó el rumbo de su carrera desde el este de Pensilvania, la práctica de concebir el diseño gráfico como una manera de resolución de problemas y cómo el crucigrama del New York Times transcurre en paralelo a su proceso creativo. 

Siempre supe que quería dedicarme a algo creativo. En el instituto, teníamos (y todavía lo tenemos en el instituto Wilson de Westlawn, Pensilvania) una estación de televisión completamente funcional. Era como el club audiovisual definitivo. Nos turnábamos para manejar la cámara, salir a cuadro y dirigir al equipo de fotografía. Cubríamos nuestros eventos deportivos. Durante un tiempo pensé que eso era lo que quería hacer. Luego empecé a diseñar gráficos para los distintos programas que hacíamos. Esto fue entre 1982 y 1986, antes de la era de las computadoras, todo hecho a mano. En aquel momento no sabía muy bien qué era el diseño gráfico, pero eso era lo que hacía. 

Me aceptaron en Penn State, en la facultad de comunicación. En mi primer año, un consejero me sugirió: “Tenemos un departamento de diseño gráfico. ¿Quizás deberías probarlo?”. Así que cursé Introducción al Diseño Gráfico, Introducción a la Teoría del Color, etc. Fue entonces cuando descubrí lo que quería hacer. La historia, aunque aburrida, es que me especialicé en eso durante los siguientes cuatro años, me gradué con un portafolio y me mudé a Nueva York en el otoño de 1986 para conseguir un trabajo. En ese momento, hice entrevistas en las principales empresas de diseño gráfico y recibí buenos comentarios, pero ninguna tenía un puesto de nivel inicial. 

Alguien me recomendó Random House, concretamente su sello editorial Knopf Publishing. Resulta que tenían un puesto de nivel inicial. Levanté la mano. Era el de asistente del director de arte en Alfred A. Knopf Publishing. En aquel entonces, el departamento de arte éramos literalmente mi jefe y yo. Usábamos ceras, reglas T, pegábamos el tablero a la mesa de dibujo con cinta adhesiva, lo alineábamos todo y lo medíamos con precisión. Me gustaba. 

Luego, poco a poco, me dieron pequeños trabajos de diseño para los libros. A partir de ahí, comenzó mi crecimiento profesional como diseñador.

En octubre próximo, si llego a vivir tanto, cumpliré 40 años en Alfred A. Knopf. Me siento muy afortunado. Francamente, soy el último de mi generación. Tengo compañeros que también son los últimos, pero no creo que sea la última. No me corresponde decirlo, pero antes no era tan raro cumplir 4 décadas de carrera en el mismo sitio, aunque en el futuro sí lo será. Así es como evolucionan las cosas.

Crecí en el pueblo vecino a Shillington, Pensilvania, el mismo pueblo donde creció mi padre. El padre de John Updike era su profesor de matemáticas. Alfred A. Knopf publicó las obras de John Updike, y terminé trabajando en las portadas de sus libros. En algún momento, diría que a finales de los 80, me presenté y le conté lo sucedido. Se alegró muchísimo. Nos hicimos vecinos de Shillington. 

Era muy prolífico, así que trabajé con él durante 25 años. Disfrutaba mucho de esa relación, y cuando publiqué mi primera monografía con Rizzoli en 2006, escribió la introducción. Fue emocionante y un honor para mí. La idea de que todo vuelve a su origen. Suena a ficción, pero no lo es. 

Me considero una persona visual y creativa. Lo que no me considero es un artista. Entiendo, al menos intelectualmente, la diferencia entre diseñador gráfico y artista con mayúscula. Gran parte de esa diferencia radica en que el diseño gráfico consiste en resolver problemas para un cliente. La mayoría de mis clientes eran escritores, aunque en aquella época también realicé muchos trabajos como freelance: carteles, logotipos o, en raras ocasiones, diseño de productos. Creas algo al servicio de otro proyecto que, francamente, tiene prioridad sobre la tuya. Esa es la esencia del trabajo. 

He escrito varias novelas. Eso se acerca mucho más al arte con mayúscula. Empiezas con una página en blanco, por así decirlo, y empiezas a pensar cómo llenarla. Creas algo desde cero. Para mí, eso es ser artista. Los diseñadores gráficos toman la obra del escritor o artista y le dan una presencia visual en el mundo. Es mucho más, pero es más bien un sector de servicios, y no tengo ningún problema con eso. Lo que he podido hacer es obtener reconocimiento por lo que he hecho a lo largo de los años. Cuando me contrataron por primera vez, apenas tenía 22 años y lo que entendí desde el principio fue que se trataba de primeras ediciones de tapa dura con sobrecubiertas. Cuando miras la solapa trasera, aparece quién la diseñó. Así que entendí que eso era importante.

Tengo un aforismo: Los límites son posibilidades. Lo aprendí en la escuela. Solo se puede usar un color para resolver este problema, y ​​eso supone un reto, pero para mí es un desafío interesante y bienvenido. 

Si algo es rechazado, debes verlo como una oportunidad para empezar de nuevo y hacerlo mejor. Eso puede ser difícil, especialmente cuando, como diseñador, crees que lo resolviste de la mejor manera la primera vez. En ese sentido, tú no tienes el control. Solo te encargas del diseño; no de que lo aprueben. Así que, cuando me bloqueo con un diseño, me tomo un descanso de un par de días y pienso: “Esta metáfora no funcionaba, ¿hay alguna otra que funcione mejor?”. Esa es la clave: la resiliencia.

Muchos diseñadores gráficos no reciben el reconocimiento que merecen. ¿ Quién diseñó la caja del detergente Tide? No lo sabemos, pero sin duda es icónica. Incluso remontándonos a Coca-Cola: ¿Quién la diseñó? Desde entonces, existen libros enteros sobre la historia del diseño gráfico, como debe ser, y a veces se puede llegar a la raíz del problema. Pero, en general, no se trata de personas conocidas. 

Al crecer en los años 70, el otro ámbito del diseño gráfico donde los diseñadores recibían reconocimiento era el de las portadas de discos. Si te fijabas bien, podías ver que esta la había hecho Peter Saville. Él influyó muchísimo en mí. Era el diseñador gráfico que hacía las portadas de estos grupos de Manchester: Joy Division, New Order, Orchestral Maneuvers in the Dark. Lo descubrí cuando estaba en la universidad. 

Hasta el día de hoy, si diseño la portada de un libro y se publica, lleva mi nombre. Por eso ahora tenemos esta conversación. No solo recibí el reconocimiento por mi trabajo, sino que me beneficié del éxito de libros que se convirtieron en superventas icónicos: Cormac McCarthy, Donna Tartt, David Sedaris, Augusten Burroughs, Oliver Sacks, John Updike. Fue una oportunidad increíble trabajar sin descanso en estos libros, muchos de los cuales no solo se convirtieron en superventas, sino que forman parte del canon literario estadounidense. 

Cada libro es diferente y cada autor también. Hay autores que se involucran mucho, pero también hay otros que, más o menos, dicen: “Bueno, haz tu trabajo y yo reaccionaré”. Las portadas no venden libros. Su función es captar la atención, invitarte a examinar el libro y ver si te interesa leerlo. Los clubes de lectura, las reseñas, eso es lo que realmente vende libros. Siempre ha sido así, de una manera u otra.

Soy un gran aficionado a los crucigramas. En el New York Times, el del lunes es facilísimo, y el del sábado se vuelve realmente difícil. Si me quedo atascado en un crucigrama de viernes o sábado, puedo dejarlo a un lado y trabajar en otra cosa. En este tiempo empiezo a ver y comprender cosas que no entendía al principio. Mi subconsciente ha trabajado en ello incluso cuando no pensaba en los crucigramas. Con los problemas de diseño gráfico pasa lo mismo. 

No sé si la creatividad se puede enseñar directamente, pero sin duda se puede desarrollar. Y el grado de funcionalidad y eficacia de la creatividad también se puede enseñar, a menos que uno nazca con un talento innato; y hay quienes lo tienen, desde luego. Sin mi formación en diseño en Penn State, jamás habría llegado a donde estoy. Soy muy consciente de ello. La formación en diseño es muy práctica, si se recibe una buena.