La moda se convierte en arte: un viaje deliciosamente decadente a través del mundo surrealista de Elsa Schiaparelli

“Nadie ha sido capaz de pronunciar bien mi nombre… pero todo el mundo sabe lo que significa”, dijo una vez Elsa Schiaparelli con su habitual seguridad en sí misma.

Figura clave del surrealismo, la diseñadora de moda italiana fue una modista extraordinaria que traspasó los límites de la creatividad, dejando su huella en la moda parisina y más allá. Deslumbrante, teatral, ingeniosa y vanguardista, su genio creativo es el tema de la última gran exposición del V&A, “La moda se convierte en arte”, en Londres.

Un equipo de curadores especializados en moda, arte y fotografía ha reunido más de 400 objetos para la primera exposición de este tipo en el Reino Unido, con el fin de mostrar su singular contribución.

Es por su conexión con el movimiento surrealista por lo que Schiaparelli es más conocida, a través de sus colaboraciones creativas con los artistas Salvador Dalí y Jean Cocteau.

Creadora del color fucsia

Uno de los diseños más emblemáticos es el vestido de langosta de Schiaparelli, creado en 1937 en colaboración con Dalí, que demuestra cómo su obra difuminaba los límites entre la moda y el arte, un tema recurrente en la exposición. El vestido de langosta se exhibe en la sala titulada “Constelaciones Creativas”, junto al famoso teléfono de langosta de Dalí, creado un año después.

Schiaparelli fue una diseñadora que transformó la moda y que concebía el diseño de vestuario no como una profesión, sino como un arte. Su autobiografía, Shocking Life, pone de relieve su enfoque innovador. Fue la primera en utilizar hombreras y estampados de animales, y siempre será recordada como la creadora del color rosa fucsia. La exposición muestra estos temas, incluyendo su maestría en el uso del color, bellamente ilustrada por el abrigo estilo arlequín de su colección Modern Comedy de 1939.

Schiaparelli pasó de ser una diseñadora autodidacta a convertirse en la figura más destacada de París durante el periodo de entreguerras. Las siluetas, los materiales, los adornos, el uso del color y los accesorios se presentan con una cuidada selección musical, acompañada de una banda sonora cautivadora, lo que convierte a esta exposición en una muestra idónea para la extraordinaria vida de Schiaparelli.

De Roma a París

Elsa Luisa Maria Schiaparelli nació en un palacio romano en el seno de una familia de aristócratas e intelectuales el 10 de septiembre de 1890. Abandonó Italia rumbo a París a la edad de 23 años, donde comenzó a adoptar una vida menos convencional.

Su primera colección se presentó allí en 1927, el mismo año en que inauguró su taller, donde las mujeres más atrevidas podían adquirir prendas de punto con diseños geométricos en blanco y negro que creaban un efecto engañoso. Estas piezas nos recuerdan que, en sus inicios, Schiaparelli era conocida por diseñar ropa deportiva y de ocio, en respuesta al creciente interés de la sociedad moderna por estas actividades.

A medida que su estilo creativo florecía, transformó el vestuario cotidiano con trajes adornados con botones extraordinarios y bolsillos colocados de forma inusual. Esto se ilustra a la perfección en un abrigo diseñado para la socialité británica y estrella de teatro Pamela Carme, con botones en forma de máscaras de la comedia/tragedia griega.

Desde extraordinarias prendas de día hasta exquisitos vestidos de noche, la exposición deleita con una variedad de creaciones que narran la trayectoria creativa de Schiaparelli y su radicalización de lo ordinario hacia lo extraordinario.

Las colecciones de ropa de noche (Pour le Soir) reflejan su uso de materiales innovadores como el celofán y su predilección por las siluetas llamativas. Estas colecciones captaron la atención de la alta sociedad y las celebridades, consolidándola como una de las diseñadoras más importantes de la década de 1930, quien transformó las tradiciones de la alta costura.

Difuminando los límites entre la moda y el arte

La curadora principal de la exposición, Sonnet Stanfill, define la década de 1930 como la época en la que Schiaparelli comenzó a experimentar con los límites entre el arte y la moda.

Entre los ejemplos destaca la maravillosa Colección Circo del verano de 1938, que incluye el vestido hueso con su singular confección acolchada y cremalleras visibles. Es un ejemplo perfecto de la afinidad de Schiaparelli con los ideales surrealistas y su enfoque innovador en cuanto a materiales y confección.

La filosofía surrealista se plasma aún más a través de la exhibición de suntuosas chaquetas Schiaparelli, donde un foco de luz cambiante atrae la atención hacia los adornos y bordados de la renombrada casa de bordados parisina Maison Lesage.

Se exhibe una espectacular colección de accesorios, entre los que destaca el sombrero-zapato invertido de Schiaparelli, expuesto en una burbuja de cristal circular que, al fondo, enmarca el vestido de langosta. Más allá, la burbuja de cristal revela el abrigo de noche de 1937 diseñado con Cocteau, con rostros besándose reflejados bajo una cascada de rosas rosadas. La técnica de exposición constituye un espectáculo surrealista en sí misma.

Más allá de París

Entre otros aspectos destacados, cabe mencionar las creaciones de Schiaparelli para teatro y cine. Entre sus obras más importantes se encuentra un traje de pantalón para la estrella de Hollywood Marlene Dietrich, quien desafió los ideales convencionales de feminidad y estilo femenino.

Schiaparelli sentía una gran pasión por los textiles británicos y en 1933 abrió su salón en Mayfair, Londres. Según su autobiografía, Londres era la ciudad más masculina del mundo, y de los ingleses decía: “Son profundamente honestos, pero están locos, locos, locos”. Aunque su estancia en Londres fue breve, ya que el salón cerró en 1939, atrajo la atención de clientes notables, entre ellos Lady Alexandra Haig, cuya chaqueta color ciruela se exhibe en la exposición.

Schiaparelli se retiró y cerró su casa de modas en 1954. Permaneció inactiva hasta su resurgimiento en 2019 bajo la dirección creativa de Daniel Roseberry. Muchas de las prendas expuestas ilustran cómo Roseberry mantiene la visión de la diseñadora italiana, combinando innovación con imprevisibilidad.

El legado de Schiaparelli

El legado creativo de Schiaparelli perdura, y su estética es acogida con entusiasmo por celebridades de renombre. La exposición incluye el vestido rojo de Roseberry para los Premios Óscar de 2025, creado para Ariana Grande, nominada a mejor actriz de reparto por Wicked. Stanfill lo describe como una de las piezas más destacadas de la muestra.

La exposición “La moda se convierte en arte” invita a los visitantes a un viaje deliciosamente decadente por el mundo de Schiaparelli, donde nada era ordinario. Si bien la pronunciación correcta de su nombre puede seguir generando confusión (se pronuncia Skaparelli), esta exposición deja claro que su genio creativo nunca estará en duda.

Naomi Braithwaite es profesora asociada de Moda y Cultura Material en la Universidad de Nottingham Trent.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.