Los diseños que definen a Estados Unidos

¿Qué hace que un diseño refleje a Estados Unidos?

Esa es una pregunta que nos hemos estado haciendo a medida que el país se acerca a sus 250 años de existencia. En ese tiempo, los estadounidenses se han definido a través de objetos, ideas y sistemas que, si bien no nacieron en Estados Unidos, al menos residen aquí espiritual y culturalmente. 

Pero el diseño estadounidense es algo profundamente personal. El país ha protegido su individualismo, a veces a un costo altísimo, por lo que las creencias de una persona sobre lo que es esencialmente estadounidense pueden diferir enormemente de las de sus vecinos.

Esto nos hizo preguntarnos: ¿Qué diseños consideran los diseñadores —las personas que dan forma a nuestro mundo actual— como los que definen a Estados Unidos? Les preguntamos a más de 30 de ellos, y esto fue lo que respondieron.

El peinado de Trump para disimular la calvicie

Probablemente dedico demasiado tiempo a dibujar caricaturas políticas, porque no se me ocurre una pieza más representativa del diseño estadounidense que el elaborado y tragicómico peinado del presidente. Es apropiadamente llamativo, estridente (casi audiblemente estridente) y directo. No se puede negar la ingeniosidad que hay detrás. ¿Cómo se hace? ¿Qué lo sostiene? Y, sin embargo, no engaña a nadie. Basta con un poco de realidad —un fuerte viento, una lluvia ligera— para revelar su artificio al resto del mundo.

— Barry Blitt, caricaturista político

La cabaña de Thoreau en Walden Pond

No es exactamente un diseño, sino una elección y un emplazamiento. Creo que es emblemático porque representa una parte del carácter estadounidense: la independencia, el aprecio por la naturaleza y la confianza en la intuición moral; valores que cobran mayor relevancia en tiempos como estos.

—Billie Tsien, socia fundadora de Tod Williams Billie Tsien Architects 

El cubo de basura de plástico de Charles Harrison 

Un diseño que define a Estados Unidos es el cubo de basura de plástico que el pionero de la cultura afroamericana, Charles “Chuck” Harrison, diseñó para Sears Roebuck & Co. en 1966.

Desde 1681, Estados Unidos ha priorizado la comodidad de los blancos sobre la muerte y el daño a los negros. El uso innovador de polietileno moldeado por inyección por parte de Harrison redujo el peso del contenedor de 9 kg a 2,3 kg y ofreció silencio matutino. Cumplió su promesa de comodidad y facilidad para la clase media (blanca) en la eliminación de residuos en la acera. Además, su forma cuadrada y apilable, junto con su fácil agarre, ayudó a prevenir lesiones de espalda y hombros a los trabajadores de saneamiento, en su gran mayoría negros, cuyas demandas de una compensación justa y la dignidad de “Soy un hombre” culminaron en las huelgas de saneamiento de 1968 en Memphis y San Petersburgo, Florida.

El cubo de basura de plástico de Harrison nos muestra que Estados Unidos podría lograr, mediante un diseño, tanto la comodidad de los blancos como el cuidado de los negros.

—Dori Tunstall, antropóloga del diseño, fundadora de Dori Tunstall Inc.

Tazón para galletas

Al igual que “Grandma’s Hands” de Bill Withers, esta canción evoca las tradiciones familiares afroamericanas del sur que vinculan la memoria, el trabajo, la ternura y la herencia.

— Michele Y. Washington, diseñadora, investigadora, estratega y escritora especializada en diseño.

Vajilla Fiesta

La vajilla Fiestaware de Homer Laughlin, con sus colores pastel, es tan estadounidense como puede ser, especialmente para coleccionistas de… ejem… cierta edad, como yo. Los anillos concéntricos de inspiración art déco y la posibilidad de combinar piezas a la perfección representaron una pequeña rebelión de diseño contra la recargada vajilla floral de finales de la década de 1930. La idea era combinar colores, no comprar un juego a juego. ¡Que nadie le diga a los estadounidenses que se ajusten a un molde!

— Gail Anderson, directora de la Escuela de Artes Visuales, Licenciatura en Diseño y Licenciatura en Publicidad

Vajilla Fiesta (¡otra vez!)

Fiestaware destaca como un diseño estadounidense icónico. Lanzada en plena Gran Depresión, presentaba una gama de vajillas llamativas, coloridas y de inspiración art déco que podían combinarse entre sí —rompiendo con la porcelana tradicional de estilo victoriano— a un precio asequible. La elección de colores alegres, la ruptura con la tradición y el nombre «Fiesta» ofrecían un contrapunto muy estadounidense y optimista a la situación socioeconómica de la época.

Además, gracias a un ingenioso diseño industrial, la marca logró acercar el modernismo al ciudadano común de clase trabajadora. La empresa, que aún fabrica en Virginia Occidental, continúa ofreciendo las mismas líneas de productos alegres y vibrantes a precios accesibles.

— Sophie Lou Jacobsen, diseñadora 

Inscripción del Centro Obama

Considero que la monumental inscripción tipográfica de Michael Bierut para el Centro Presidencial Obama es una de las mejores obras de diseño del siglo pasado. Su fuerza como diseño estadounidense reside en cómo materializa una de las ideas más arraigadas del país: que Estados Unidos es un argumento, una aspiración y una promesa aún vigente. El fragmento tipográfico del discurso del presidente Obama en Selma, Alabama, en 2015, no solo se aplica al edificio, sino que se integra a la arquitectura misma, transformando el lenguaje, la historia y la esperanza en espacio público. De este modo, sugiere que Estados Unidos no se define por la certeza, sino por el constante proceso de devenir.

— Debbie Millman, diseñadora y presentadora del podcast Design Matters

La casa Fisher de Louis Kahn

La Casa Fisher de Louis Kahn es una obra discreta pero profundamente influyente en la arquitectura estadounidense. Si bien puede que no sea muy conocida fuera de los círculos arquitectónicos, su impacto trasciende su reputación cultural, influyendo en el diseño de innumerables viviendas en las costas este y oeste, y dejando una huella imborrable en la arquitectura residencial estadounidense.

—Tom Kundig, fundador y propietario principal, Olson Kundig

Mesa de centro Noguchi IN-50

La mesa de centro IN-50 de Isamu Noguchi es, sin duda, un icono del diseño estadounidense. Mesa y escultura a la vez, es la síntesis de influencias globales gracias a un escultor mitad estadounidense, mitad japonés, y un fabricante de muebles del Medio Oeste abierto a las posibilidades de nuevas formas. Unos años antes de la producción de la mesa, Noguchi escribió desde el campo de internamiento de Poston: «Ser híbrido anticipa el futuro. Esto es Estados Unidos, la nación de todas las nacionalidades».

—Amy Auscherman, directora de archivos y patrimonio de marca, MillerKnoll 

Chicle Bazooka

¿Hay algo más rojo, blanco y azul que el chicle Bazooka del tamaño de un bocado? Es un emblemático trozo rosa de placer masticable, que viene con una tira cómica cuidadosamente doblada protagonizada por Bazooka Joe.

— Steven Heller, cofundador y copresidente emérito del programa de Maestría en Bellas Artes de la SVA en Diseño.

El rascacielos

Chicago es la cuna del rascacielos moderno, una innovación que cambió el mundo, proveniente de la Ciudad de los Grandes Hombros, un diseño estadounidense icónico.

El Home Insurance Building, terminado en 1885, es reconocido como el primer edificio alto construido sobre una estructura de acero. Desde entonces, Chicago ha sido un laboratorio para este tipo de arquitectura. La Willis Tower, construida con nueve tubos agrupados de diferentes alturas, fue el edificio más alto del mundo entre 1974 y 1998. Marina City fue innovadora de otra manera, al concentrar toda la vida en el centro de la ciudad para que se pudiera vivir y trabajar en un mismo lugar. Y ahora, el Centro Presidencial Obama ofrece una nueva visión de lo que puede ser una biblioteca presidencial.

El rascacielos es un diseño optimista, fruto de la innovación y el idealismo. Nace de la convicción de que no hay nada imposible, de que podemos aspirar a lo más alto y, con esfuerzo y determinación, construir el futuro. Es un diseño que nos invita a mirar siempre hacia arriba.

— Bud Rodecker, socio y director de diseño de Span

Logotipo de McDonald’s

Convertido en un fenómeno global, nada representa mejor a Estados Unidos que ver los arcos dorados a kilómetros de distancia. McDonald’s encarna el sueño americano en muchos sentidos, con todas sus consecuencias, buenas, malas y feas. Me pido un Filet-O-Fish, papas fritas pequeñas y un batido de chocolate, por favor.

—Jesse Reed, cofundador de Order

Logotipo de Enron

Yo elegiría este clásico logo de Enron de mediados de los 90, diseñado por Paul Rand. Este escándalo cambió a Estados Unidos, y el diseño refleja toda la carga que eso conllevó. El logo destila a la perfección tres temas principales: poder, dinero y avaricia. No lo digo con cinismo; amo todo lo que representa Estados Unidos, y la contabilidad agresiva y las transacciones fuera de balance forman parte de nuestra historia.

— Martin Grasser, diseñador

“Nosotros el Pueblo”

“Nosotros, el pueblo”. La idea más trascendental que jamás se haya plasmado en tipografía.

Thomas Jefferson comprendió lo que todo gran diseñador sabe: que las palabras adecuadas, diseñadas con intención, pueden reordenar el mundo. Este diseño lo logró. Viajó a través de praderas, bosques, montañas, continentes y océanos como un documento impreso: leído, copiado, transmitido de mano en mano. Llegó a manos del estudiante en París, del hombre en Ghana, de la mujer en Pekín, quienes, al encontrarse con esas tres palabras, comprendieron al instante que el mundo podía cambiar.

Creo que el diseño es la esperanza hecha visible. La Constitución de los Estados Unidos sigue siendo el primer y más esperanzador acto de diseño en la historia estadounidense. Y el más radical en la historia del mundo. Y un titular que nunca, jamás debemos dejar de difundir.

—Brian Collins, fundador de Collins

Caligrafía “Nosotros el Pueblo”

«Nosotros el Pueblo…» Debe ser la caligrafía original; una forma Fraktur ligera, ligeramente inclinada hacia atrás, de letra gótica con florituras. Esta frase no solo es fundamental para la democracia estadounidense y la historia del origen de la nación, sino que sigue siendo nuestro ideal y lo que ha inspirado a personas en otros países. La caligrafía original es inmediatamente reconocible, y la gente puede completar fácilmente el resto de la frase.

No se me ocurre mucho que sea ampliamente icónico, distintivamente estadounidense y que no esté vinculado a una región específica del país, un período histórico o un grupo de estadounidenses en particular. Lo único que me viene a la mente es la bandera estadounidense en su diseño básico, no en una versión específica. Pero «Nosotros, el pueblo» expresa mucho más que la propia bandera.

— Paul Shaw, diseñador, historiador y calígrafo

Modelos de lenguaje a gran escala

Los grandes modelos de lenguaje no requieren manuales, entrenamiento ni conocimientos especializados. Basados ​​en una idea revolucionaria de un artículo de Google de 2017, «La atención es todo lo que necesitas» (Vaswani et al.), los modelos de lenguaje logran que hablar con una máquina se sienta, casi sin esfuerzo, como hablar con un humano. Esta facilidad ha impulsado nuestra próxima gran revolución tecnológica, desatando una carrera global entre empresas, gobiernos e investigadores para definir el futuro.

Esta innovación es emblemáticamente estadounidense en el sentido más amplio: no solo por su ambición, sino también por sus contradicciones, que se manifiestan en tribunales, aulas y salas de juntas. Lo que más me entusiasma es acelerar el descubrimiento científico, encontrar curas para nuestras enfermedades más devastadoras y poner el poder del código al alcance de todos. Lo que me preocupa es la pérdida del control creativo y la homogeneización de la escritura, el arte y todo aquello que consideramos intrínsecamente humano. Los másteres en Derecho nos demuestran que las decisiones de diseño más trascendentales no se centran en lo que construimos, sino en para qué lo construimos.

—Anijo Mathew, decano del Instituto de Diseño del IIT

Parques nacionales

No existe en Estados Unidos una obra de diseño público más emblemática que nuestro Sistema de Parques Nacionales. Si bien a primera vista puede no parecer un diseño premeditado, el desarrollo y mantenimiento de los 63 parques nacionales estadounidenses ha implicado decisiones de diseño muy concretas e intencionadas por parte del personal del Servicio de Parques Nacionales a lo largo de décadas. Cada parque se adapta a la topografía, el microclima, la cultura local y las particularidades regionales de los estados estadounidenses en los que se ubica.

Sigo pensando en la serie documental de Ken Burns, Los parques nacionales: La mejor idea de Estados Unidos, y en las lecciones que ofrece a los diseñadores sobre nuestro papel en la defensa de la democracia: que tenemos la responsabilidad de desarrollar y preservar espacios naturales, bellos y de libre acceso que pertenezcan a todos, para el bien común de hoy y de las generaciones futuras. Nuestros parques nacionales ofrecen una experiencia colectiva compartida. 

A medida que estas instituciones que amamos y que a menudo damos por sentadas se ven cada vez más amenazadas por los recortes de financiación federal y los intentos de extraer estas tierras para beneficio privado, nosotros, como diseñadores, tenemos la responsabilidad de abogar por ellas.

—Chris Merritt, director de Merritt Chase 

Carteles de parques nacionales de Michael Schwab

La capacidad de destilar la belleza natural de los lugares que definen la diversidad de Estados Unidos en diseños icónicos y atemporales no solo impulsó el turismo y la protección de los parques, sino que se convirtió en sinónimo de cómo imaginamos su belleza, tanto colectiva como individual, que es inconfundiblemente estadounidense.

—Ben Sherwood, socio creativo de Design Bridge and Partners

Logotipo de Coca-Cola

El logotipo clásico de Coca-Cola ha perdurado desde la década de 1880. Podría parecer que contradice todo lo que buscamos en nuestro trabajo de diseño de identidad corporativa. Es ornamentado y estilizado, con multitud de pequeños detalles, pero innegablemente legible y reconocible al instante. El logotipo de Coca-Cola representa a Estados Unidos en todo el mundo.

—Sagi Haviv, socio, Chermayeff & Geismar & Haviv

¡Coca-Cola (otra vez!)

El diseño estadounidense no se trata de minimalismo sofisticado y elitista. Se trata de crear algo increíblemente atractivo, que se sienta genial al tacto y producir miles de millones de copias. Y nadie lo hace mejor que Coca-Cola. Es la máxima expresión del diseño estadounidense porque es hermosa, llamativa y le importa un bledo la sutileza.

Piensa en la botella. En 1915, Coca-Cola básicamente les dijo a los diseñadores: “Hagan una botella tan distintiva que si la agarras en la oscuridad total, o si se te cae al suelo y se rompe, sepas exactamente qué es”. Esa es la máxima expresión de la lógica del diseño estadounidense. Es preciosa, pero práctica. El diseño de Coca-Cola está pensado para la velocidad y para llamar la atención. Ese rojo intenso y agresivo, junto con la ondulada ola blanca, están diseñados para impactarte desde un estante abarrotado de tiendas, una máquina expendedora de dudosa reputación o una enorme valla publicitaria en la carretera.

Lo más estadounidense del diseño de Coca-Cola es su absoluta resistencia al cambio. Mientras que otras compañías entran en pánico cada cinco años y transforman su logotipo en una tipografía genérica y aburrida simplemente por seguir una tendencia tecnológica, Coca-Cola sigue utilizando una caligrafía cursiva de la década de 1880 y una botella con la forma de la Primera Guerra Mundial. Es un diseño tan obstinado e inquebrantable que el resto del mundo no tuvo más remedio que aceptarlo como parte inseparable de la cultura estadounidense.

— Satoru Wakeshima, socio, CBX

Vaqueros Levi’s

La mezclilla de Levi’s es la esencia del diseño estadounidense, pues se basa en valores atemporales: artesanía, resistencia, materiales honestos y la dignidad del trabajo duro. No fue diseñada para ser delicada, sino para perdurar y mostrar el paso del tiempo, donde cada desgaste y cada arruga se convierten en parte de su historia.

También hay una profunda nostalgia en mí: recuerdo haber visto la portada de Born in the USA de Bruce Springsteen cuando era hijo de inmigrantes de primera generación. En aquel entonces, interpreté esos Levi’s desgastados y la bandera estadounidense como símbolos de puro patriotismo. De adulto, llegué a comprender la tensión que se escondía tras ellos: orgullo, lucha, contradicción y resiliencia que coexisten en la experiencia estadounidense. Eso es lo que hace que Levi’s sea inconfundiblemente estadounidense: no la perfección, sino lo que somos en nuestra mejor versión: trabajadores, imperfectos y optimistas.

—Matt Sia, director creativo ejecutivo de Pearlfisher

Corriente de aire

Para mí, la Airstream es un símbolo del diseño estadounidense y su inmensidad. La Airstream Clipper de 1936 fue la primera caravana totalmente de aluminio remachada, inspirada en la construcción aeronáutica. Su forma y material simbolizan una América optimista, futurista y generosa. Es un vehículo diseñado para explorar los diversos paisajes y parques nacionales de Estados Unidos, así como una forma de conectar con su gente diversa. Tengo una Airstream International de 1972, que restauré con esmero para los viajes familiares.  

—Yves Béhar, fundador de Fuseproject

Sillas Shell de fibra de vidrio de Eames

Ray y Charles Eames diseñaron la silla de carcasa de fibra de vidrio para un concurso del Museo de Arte Moderno en 1948, centrado en el diseño de muebles de bajo coste. La silla pretendía acercar el buen diseño al público general: belleza, forma y funcionalidad a un precio asequible. Ofrecía versatilidad y modularidad, con versiones con reposabrazos, apilables y en varios colores. Resolvió un problema real mediante el diseño, teniendo en cuenta todos los aspectos, desde la fabricación y el coste hasta la forma, la función y el uso.

—Anthony Cappetta, socio y director creativo de Super Okay

sombrero de vaquero

Puede que sea un mito, pero el vaquero es visto como el hombre independiente y solitario a caballo, que representa el individualismo, la libertad y la autosuficiencia: un nuevo comienzo libre de las restricciones sociales.

—Tom Geismar, socio fundador de Chermayeff & Geismar & Haviv

Revolución

El diseño estadounidense, en esencia, destila muchas ideas complejas en una sola imagen representativa que, de alguna manera, habla por una nación con múltiples ideologías. Elegir una sola pieza de diseño es increíblemente difícil. Recientemente tuve el honor de trabajar en una exposición en la Biblioteca Beinecke de la Universidad de Yale titulada ” Desplegando la bandera: Reflexiones sobre el patriotismo estadounidense”.

Para mí, el diseño estadounidense es diseño revolucionario. Cada generación de estadounidenses ha participado en un movimiento. La revolución es un derecho inherente a Estados Unidos. Buscamos constantemente reformar nuestra forma de ser. Me encanta la portada de The New Yorker ilustrada por Saul Steinberg el 5 de enero de 1976. Capturando la inocencia de la juventud, tanto a nivel individual como nacional, la sencillez de la ilustración evoca con nostalgia nuestra polaridad, nuestra política y nuestro futuro por escribir.

— David Jon Walker, profesor de arte en diseño gráfico, Escuela de Arte de Yale

Edificio Empire State

El Empire State Building es un símbolo de Nueva York, por supuesto, pero Nueva York siempre ha sido un símbolo de progreso, ambición y fortuna, y (como alguien que ha viajado mucho) esas cualidades todavía me parecen distintivamente estadounidenses (para bien o para mal).

Históricamente, se terminó de construir durante la Gran Depresión y permaneció prácticamente vacío durante años. Las imágenes lo muestran erigiéndose imponente sobre un vasto vacío sin parangón. Se alzó majestuosamente y, aun así, salió victorioso.

Como mujer emprendedora que creció en una familia de clase media baja y empezó a trabajar a los 10 años, ese es para mí el sueño americano: empezar prácticamente de la nada y, a pesar de todas las adversidades y gracias al espíritu de posibilidad arraigado en este país, construir algo hermoso, innovador y que tenga un impacto.

—Talia Cotton, fundadora de Cotton Design

Edificio Empire State (¡otra vez!)

El Empire State Building es la materialización de la ambición estadounidense. Representa el optimismo, el ingenio y la convicción de que cada generación puede construir algo más alto que la anterior. Casi un siglo después, sigue siendo atemporal. Artistas como Andy Warhol, Jay-Z y Galaxie 500 se han inspirado en él. Todavía me emociono cada vez que lo veo, ya sea desde un avión, la calle o la ventana de mi apartamento.

—Tom Murphy, director creativo de VML

Halcón 9

Mi elección sería el Falcon 9 de SpaceX. Es uno de esos objetos excepcionales cuyo diseño transformó radicalmente la economía de toda una industria, no por su apariencia, sino por hacer posible la reutilización a gran escala. Para mí, esa es la máxima expresión del diseño: cuando la ingeniería, la estética y el pensamiento sistémico se unen para expandir permanentemente los límites de lo posible.

—Jesse Lee, director ejecutivo y fundador de Basic.Space, y presidente de Design Miami.

Ford Mustang de 1964

El Mustang del 64 es un gran coche que demostró su valía: es duradero, divertido y deportivo. Además, es fácil de reparar para aquellos estadounidenses con mentalidad de “hágalo usted mismo”. Su diseño sigue siendo genial e inspirador para la industria actual.

—Hugh Trumbull, socio de Kohn Pedersen Fox

Edificio temático

El Theme Building del Aeropuerto Internacional de Los Ángeles (LAX) representa la esencia del diseño estadounidense y sirve como puerta de entrada global a una de las ciudades más emblemáticas de nuestra nación. Este edificio es un testimonio de posibilidades, talento humano e innovación, sellos distintivos del progreso estadounidense. Un verdadero ícono americano, el Theme Building simboliza un optimismo ilimitado y un pensamiento innovador. Inaugurado en 1961, el edificio aún tiene un enorme potencial para brillar en el futuro de Estados Unidos.

—Barbara Bouza, FAIA, NOMA, IIDA, directora ejecutiva de Live, Work, Play, CannonDesign

Jeep americano

Un ejemplo de diseño que representa la visión colaborativa de Estados Unidos es el Jeep del Ejército estadounidense de la Segunda Guerra Mundial. Surgió de la respuesta y la visión de tres compañías diferentes —Bantam, Willys y Ford— que respondieron a un informe del Ejército de EE. UU. de 1940 para un vehículo nuevo y más ágil. En muchos sentidos, se pretendía que sustituyera a los ágiles, pero logísticamente complejos, caballos del ejército. Sin embargo, el Jeep fabricado en 1945 era notablemente diferente y mejoraba con respecto a los primeros, y esto se debe a que también fue diseñado por cada soldado que se quejó de algún defecto o sugirió una mejora.

En cierto modo, también fue un ejemplo de diseño anónimo, algo que atrajo a muchos artistas y diseñadores, incluidos los fundadores de Eames Office, Charles y Ray Eames. Esto se debe a que la guerra, a través de su horror, nos centra y genera en quienes estamos del mismo bando un deseo compartido de tomar las decisiones más efectivas con el menor ego posible.

Hoy, un lema es: Muévete rápido y rompe cosas (generalmente, cosas ajenas, como suele suceder). Nuestro desafío en el 250 aniversario de nuestro país es trabajar y diseñar juntos, con la calidad, la ética y la eficacia como límites, sin que la violencia ni la codicia nos unan.

—Eames Demetrios, director de Eames Office y presidente del consejo de administración de la Fundación Charles & Ray Eames.

centros de transporte

Los centros de transporte son las catedrales de nuestros días. Están construidos para albergar a la población con espacios dinámicos e imponentes, inundados de luz natural y de gran envergadura. Ejemplos emblemáticos incluyen la Grand Central Terminal en Nueva York y la Terminal Internacional de Dulles cerca de Washington, D.C.

Esta tendencia continúa con un ejemplo reciente en nuestra propia región: la nueva terminal de llegadas del Aeropuerto Internacional de Portland. En cada uno de estos ejemplos, la forma icónica y el espacio dinámico brindan una sensación de asombro y calma. Es un bálsamo necesario para esos momentos de ajetreo constante en los viajes modernos.

—Brent Linden, director de Allied Works