Cómo ‘Backrooms’ de A24 recrea el espacio liminal más espeluznante de internet

Hay un lugar al que nunca has entrado, pero tu subconsciente lo reconoce. Es un laberinto de pasillos con papel tapiz amarillento, alfombras color crema descoloridas y luces fluorescentes: una amalgama de todos esos espacios intermedios y liminales que has ocupado brevemente. Con solo ver una imagen, te invade una sensación de déjà vu, como si volvieras a visitar el consultorio de algún médico, a jugar con tus amigos o a una tienda olvidada de tu infancia. Esto son los “Backrooms“, el escenario donde se desarrolla la nueva película de terror surrealista de A24.

The Backrooms, que se estrena el 29 de mayo, fue dirigida por Kane Parsons, de 20 años, el director más joven de A24. Parsons descubrió el concepto de los Backrooms cuando era estudiante de secundaria, tras explorar subreddits, foros de fans y publicaciones de wikis. Desde entonces, ha creado un universo propio de Backrooms a través de una serie de videos en su canal de YouTube, construyendo una rica mitología que ha acumulado una base de fans tan ferviente que tendrá su propia película derivada.

La adaptación desarrolla un pequeño fragmento narrativo de la historia principal de Backrooms que Parsons ya había creado en YouTube. La historia se desarrolla en 1993 y sigue al dueño de una tienda de muebles (interpretado por Chiwetel Ejiofor) que descubre un portal a Backrooms en el sótano de su almacén y, finalmente, es seguido a ese espacio desconocido por su psiquiatra (interpretada por Renate Reinsve).

Para transportar a los espectadores a este mundo junto con sus personajes, Parsons le dio a su equipo de diseño de producción un imperativo formidable: convertir el espacio liminal más emblemático de internet en un plató de cine físico.

Guía para principiantes sobre los Backrooms

La primera referencia conocida a los Backrooms se remonta a una publicación de 4chan de la década de 2010. En ella se muestra una serie de habitaciones vacías con papel tapiz amarillo, techos bajos y luces fluorescentes de oficina. 

Un comentario en la publicación, que ha llegado a definir la esencia de los Backrooms, dice: “Si no tienes cuidado y te sales de la realidad en los lugares equivocados” , “terminarás en los Backrooms, donde no hay nada más que el hedor de alfombra vieja y húmeda, la locura del amarillo monocromático, el ruido de fondo interminable de las luces fluorescentes al máximo zumbido y aproximadamente seiscientos millones de kilómetros de habitaciones vacías segmentadas aleatoriamente en las que quedar atrapado”.

Esta publicación cobró vida propia, generando historias escritas por usuarios, su propia wiki, gráficos e innumerables teorías. Pero el concepto se consolidó realmente cuando Parsons, que entonces tenía 16 años, publicó su primer vídeo de YouTube sobre los Backrooms en 2022. El video, titulado The Backrooms (Found Footage), tiene más de 78 millones de visualizaciones y es el primero de una serie de 16 partes. Con el tiempo, los videos revelan que una misteriosa corporación llamada Async Research Institute es la responsable de la creación de los Backrooms en un aparente intento de lidiar con la sobrepoblación y crear un espacio de almacenamiento infinito, aunque sus motivaciones y operaciones exactas siguen siendo un misterio.

Cada nueva entrega, cuyo guion, sonido y diseño realiza Parsons personalmente en la plataforma de efectos visuales (VFX) Blender, cuenta con millones de visualizaciones y una legión de fans dispuestos a analizar cada fotograma (véanse los numerosos videos de varias horas de duración sobre el tema) para obtener información sobre cómo se creó Backrooms. 

La nueva película de Parsons para A24 será una de las entregas más importantes de la saga hasta la fecha. Además, será la primera vez que los Backrooms se construyan en la vida real. Para capturar la atmósfera inquietante del lugar, el diseñador de producción Danny Vermette construyó un decorado físico gigante con el que los actores pudieran interactuar. Posteriormente, el equipo de la película combinó las imágenes grabadas con tomas digitales creadas principalmente en Blender durante la posproducción. 

Fast Company se sentó a conversar con Vermette (cuyos otros trabajos incluyen películas de terror como Longlegs de Osgood Perkins y The Monkey) para hablar sobre cómo dio vida a Backrooms. El proceso implicó una extensa investigación, docenas de muestras de papel tapiz y algunos accesorios muy polvorientos.

(Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad).

Fast Company: ¿Cuánto sabías sobre los Backrooms antes de este proyecto?

Danny Vermette: Conocía el concepto de espacio liminal y sabía que se estaba convirtiendo en una tendencia. Siempre me ha gustado el diseño peculiar con ese toque surrealista, pero no tenía ni idea de hasta qué punto llegaba. Fue una experiencia reveladora. 

He visto unos cinco videos de una hora que explican los Backrooms, pero siento que apenas he arañado la superficie de su historia. ¿Cómo fue tu proceso de investigación?

Es curioso porque terminé viendo algunos de los videos equivocados. No eran de Kane; eran trabajos de otros creadores de contenido en Backrooms. Pensé: “Esto está genial”. No fue hasta un día después que realmente lo entendí, y estuve pensando mucho en ello. Esto fue mucho antes de que supiéramos que íbamos a hacer la película. Era algo muy preliminar.

Finalmente encontré el material de Kane y vi bastante antes de nuestra primera charla, y quedó muy claro que ese era su mundo. La forma en que habla de él con tanta elocuencia (y odia la palabra “historia”, pero la voy a usar) le da una secuencia y una atmósfera tangibles, y es una entidad con reglas y límites. 

Cuando finalmente recibí el guion original, había elementos que simplemente no encajaban con la mitología de la película, y él dejó claro que tendrían que cambiarse. Mi primera idea sobre cómo funcionaría la película fue errónea. Los Backrooms no cambian ante tus ojos. No se transforman constantemente. Son un espacio repetitivo e ilimitado. 

Kane tiene una visión muy específica. ¿Cuál fue el primer paso para llevarla a cabo?

Le dije: “Dime cuál es tu escenario ideal. ¿Qué te gustaría construir en la práctica?”. Así que Kane pasó un par de semanas construyéndolo todo en Blender, y cuando me envió el archivo, mi computadora se bloqueó. Era como de 9,000 metros cuadrados.

Le dije: “Bueno, tenemos un presupuesto limitado. Contamos con X metros cuadrados de espacio tangible para construir. Tendremos que ser muy cuidadosos con lo que construimos de forma práctica y lo que recurrimos a los efectos visuales”. Se trataba de determinar qué niveles quería crear y hasta dónde queríamos llegar en los Backrooms. ¿Cuánto queríamos mostrar de forma práctica para que nuestro talento pudiera interactuar? 

Estuve viendo gran parte de su trabajo en la serie de YouTube, buscando lo que realmente me interesaba y charlando sobre ello. A partir de ahí, elaboramos un plan.

Creo haber leído que el set tenía unos 2,800 metros cuadrados, ¿es correcto?

Quizás era un poco menos. Eran 3,400 metros cuadrados de papel tapiz y 2,700 metros cuadrados de alfombra.

Esa es una de las cosas que me intrigaba. Obviamente, esos clásicos Backrooms amarillos son muy reconocibles para los fans. ¿Cómo fue el proceso para encontrar materiales que pudieran recrear la atmósfera de ese espacio?

El papel tapiz era enorme. Era algo que me hacía pensar: “Vale, tenemos que ajustarlo”. Tenía dos cosas en mente: el volumen descomunal y que coincidió con el momento en que surgió la amenaza arancelaria.

Estamos en Vancouver, y muchos de nuestros principales productores están en Estados Unidos, así que no podíamos permitirnos traer esos materiales. Tuvimos que buscarlos localmente y al final encontramos a alguien a unas cinco cuadras de la oficina. Era una empresa nueva y nos dijo: “Sí, podemos hacerlo. Estoy dispuesto a intentarlo”.

Terminamos haciendo entre 30 y 40 versiones del papel tapiz para lograr la tonalidad, el estampado y la escala adecuados. Tuvimos que asegurarnos de que el contraste entre el fondo y el estampado no fuera excesivo. Hicimos muchísimas muestras y variaciones, combinándolas con la alfombra y la iluminación para asegurarnos de que fuera reconocible para los fans.

Existe un acalorado debate en línea sobre cuál es el amarillo verdadero, y cada quien tiene su propia opinión; además, hay que considerar muchos factores. La iluminación es uno de ellos, pero al añadir una cámara cinematográfica, actores y muebles reales, el tono cambia por completo. Desarrollamos una fórmula que, con suerte, se traduciría en una imagen muy similar a la de Blender.

En ese sentido, otro ingrediente clave es la iluminación y lograr que se vea tan inquietante y liminal como en Blender. ¿Tuviste que desarrollar alguna estrategia para conseguir ese resultado perfecto?

Con el falso techo que predomina en todos los decorados, normalmente se usaría un difusor montado sobre una rejilla superior con focos fluorescentes. Rápidamente nos dimos cuenta de que eso no iba a funcionar en cuanto a la calidad de la luz y otros factores, así que tuvimos que idear nuestra propia estrategia.

Al final, tuvimos que usar focos de cine y suspenderlos bastante alto sobre la lente del falso techo, creando prácticamente una máscara para controlar la luz. Si los focos estaban demasiado cerca, se veían los focos. Si estaban demasiado lejos, no había suficiente luz. Fue un equilibrio muy delicado para conseguir la calidad de iluminación deseada.

¿Cómo decidiste qué piezas hacer de forma práctica y cuáles digital? 

Una parte importante era que queríamos añadir elementos interesantes y verticalidad a los decorados para sacar a nuestros actores de su zona de confort. Esto implicó la introducción de decorados sobre plataformas de 4.5 y 6 metros. En las escenas en las que bajan por túneles, estos son reales. Los construimos sobre pilotes de 6 metros. 

Un detalle curioso es que, en una escena, necesitábamos montones de ropa como parte de la escenografía. Terminamos consiguiendo enormes contenedores llenos de ropa, pero al parecer habían estado a la intemperie bajo la lluvia. Cuando fuimos a preparar el set, estaba todo mohoso y apestaba. 

¡Parecía que olía fatal ahí abajo!

Sí, ¡vaya método! Cuando hicimos la proyección para el equipo aquí, todo el equipo se quejó porque pasamos días allí y no fue nada agradable.